Лучшие дизайны по версии пользователей Behance. Какие графические дизайнеры XXI века считаются лучшими? Кто нравится лично вам

В рамках лектория Moscow Design Week Сергей Серов рассказал о 25 основополагающих именах графического дизайна. Лекция «Иконы дизайна» сопровождалась иллюстрациями, на которых лектор показывал основные черты стиля каждого дизайнера и рассказывал, как это влияло на мировое сообщество.

Президент международного биеннале графического дизайна «Золотая пчела», профессор Школы дизайна РАНХиГС провел исторический экскурс, посвященный развитию графического дизайна. Название лекции «Иконы дизайна» отсылает к одноименной книге Джона Клиффорда, которую Сергей Серов рекомендует всем интересующимся историей дизайна. В своем выборе 25 наиболее влиятельных дизайнеров лектор опирался на взгляды международного профессионального сообщества графического дизайна. Сергей Серов назвал лекцию «Иконы дизайна» субъективным обобщением объективных взглядов.

Одной из главных движущих сил, развивавших графический дизайн с начала XX в., стал русский авангард, поэтому первые позиции в списке заняли Александр Родченко и Эль Лисицкий, которые стали иконами и учителями для многих мастеров. Манифест русского авангарда стал основой европейского авангарда и знаменитой швейцарской школы графического дизайна. Динамика, диагонали, символы XX в., выраженные образом машины и новых скоростей – все это открыли миру графического дизайна русские авангардисты Родченко и Лисицкий.

В графическом дизайне нет идеальных школ: мастера приносят новые технологии и видение, которые входят в историю, но при этом отдельные части плаката могут «проседать». Задача дизайнеров – учиться лучшим приемам и перенимать опыт у большого количества великих художников-графиков. В историю входят имена тех, кто создает новые или совершенствует уже существующие принципы, следует манифесту. Плакат как продукт графического дизайна сформировался и стал предметом искусства благодаря персоналиям, новым технологиям и в некоторых случаях свое влияние оказывала личная харизма дизайнеров.

Топ-25 графических дизайнеров:

Жюль Шере
Александр Родченко
Эль Лисицкий
Пит Зварт
Адольф Мурон Кассандр
Алексей Бродович
Ян Чихольд
Йозеф Мюллер-Брокманн
Эмиль Рудер
Отл Айхер
Хенрик Томашевски
Герб Любалин
Милтон Глейзер
Массимо Виньелли
Карел Мартенс
Юсаку Камекура
Коичи Сато
Сигео Фукуда
Кения Хара
Алан Флетчер
Эйприл Грейман
Ральф Шрайфогель
Никлаус Трокслер
Дэвид Карсон
Стефан Загмайстер

Moscow Design Week – фестиваль, посвященный дизайну во всех его проявлениях от моды до архитектуры. Мероприятие объединит на одной сцене представителей рынка для создания и укрепления бизнес-связей, обмена идеями, старта новых успешных проектов и развития дизайна в России.

МЫ ЗАВЕРШАЕМ СЕРИЮ ИНТЕРВЬЮ, ПОСВЯЩЕННУЮ СУДЬБЕ ОТЕЧЕСТВЕННОГО ГРАФИЧЕСКОГО ДИЗАЙНА, ЕГО НОВЕЙШЕЙ ИСТОРИИ В ЛИЦАХ. ЕЕ ГЕРОИ, БУДУЧИ ЗНАКОВЫМИ ФИГУРАМИ РОССИЙСКОЙ ДИЗАЙНЕРСКОЙ СЦЕНЫ, ПРЕДСТАВЛЯЛИ НЕ ТОЛЬКО СОБСТВЕННОЕ ТВОРЧЕСТВО, НО И СВОИ ПОКОЛЕНИЯ, АКТИВНО И УСПЕШНО РАБОТАЮЩИЕ СЕГОДНЯ В ПРОФЕССИИ.

Старшее поколение, дизайнеры 30-40-х годов рождения, было представлено интервью с (1938), которого великий Массимо Виньелли назвал лучшим в мире дизайнером книги. Но за ним, вернее, рядом с ним – целая когорта блистательных имен. Ефим Цвик (1935-2005), Николай Калинин (1937), Аркадий Троянкер (1937), Валерий Акопов (1938), Юлий Перевезенцев (1938), Николай Попов (1938), Александр Шумилин (1938-2007), Борис Трофимов (1940), Максим Жуков (1943), Александр Коноплев (1943), Евгений Добровинский (1944), Андрей Костин (1947-2000), Валерий Васильев (1949). Все они лауреаты международных конкурсов, обладатели высших наград на самых престижных мировых профессиональных смотрах.

Аркадий Троянкер

IPEK - Михаил Аникс

Я знаю их очень давно, все они - мои старшие товарищи, друзья. Но я не перестаю удивляться их неиссякаемой энергии, непостижимому задору, искрометному таланту. Из интервью с Михаилом Аникстом становится ясно, откуда родом эта творческая сила. Из их студенчества, молодости. Они все, по-существу, «шестидесятники», на их творческое становление пришлась эпоха «оттепели», время обращения к современному миру и собственных творческих поисков. После десятилетий страха и ужаса совсем небольшого откручивания гаек и приоткрытия железного занавеса хватило тогда, чтобы произошел тектонический сдвиг, и появилось поколение с неимоверной жизненной энергией, на протяжении многих лет остававшееся лидером в культуре. В графическом дизайне это поколение находилось в авангарде профессии и в 60-е, и в 70-е, и в 80-е годы. И по сей день оно по-прежнему актуально и пользуется невероятным уважением и авторитетом. Это поколение титанов, героев, ставших дизайнерами не благодаря, а вопреки всем обстоятельствам.

Борис Трофимов

То время можно было описать парадоксальным афоризмом: дизайна у нас не было, а дизайнеры были. Дизайнерские имена, которые знал весь профессиональный мир, были, а дизайна как востребованной части экономики, культуры и общественной жизни - нет. Даже слова-то такого не было. Промышленный, предметный дизайн именовался «художественным конструированием». Теория дизайна – «технической эстетикой». А вместо «графического дизайна» было сразу несколько советских эвфемизмов. В промышленном контексте графический дизайн назывался «промышленной графикой», сокращенно «промграфикой». В Союзе художников псевдонимом графического дизайна была «прикладная графика». В Полиграфическом институте, где занимались элитарным книжным дизайном, он назывался «ХТОПП» - «художественно-техническим оформлением печатной продукции», в Строгановке фигурировала еще одна словесная конструкция: «промграфика и упаковка» и т.д.

Борис Трофимов

Владимир Чайка

Среднее поколение – нынешние 40-50-летние. В журнале оно было представлено (1967) и (1964). Наиболее яркие фигуры этой генерации – Светлана (1952) и Александр (1953) Фалдины, Юрий Боксер (1953-2002), Владимир Чайка (1955), Андрей Шелютто (1960), Елена Китаева (1960), Юрий Сурков (1961), Анатолий Гусев (1963), Евгений Корнеев (1964), Андрей Логвин (1964), Эрик Белоусов (1964), Эркен Кагаров (1966), Сергей Кужавский (1966), Петр Банков (1969).

Игорь Гурович

Это поколение начало себя проявлять еще в конце 80-х, но полностью вступило в свои права в 90-е, ставшие временем их взлета, когда произошла неожиданная актуализация графического дизайна. Именно он оказался в первую очередь востребован зарождавшейся рыночной экономикой. Сотни тысяч новых субъектов хозяйственной и общественной деятельности заявляли о своем появлении на свет с помощью логотипов, фирменных стилей, рекламы и других атрибутов цивилизованной деятельности. Графический дизайн на глазах начал становиться самой распространенной дизайнерской специализацией, внезапно превратился в модную и престижную профессию.

Массовая компьютеризация профессии, совпавшая с социальными изменениями и коммерческим бумом, предоставили дизайнерам совершенно новые, невиданные возможности, освобождающие от прежних технических ограничений. Но для неофитов, хлынувших в эту область, компьютерная свобода стала непреодолимым соблазном вседозволенности, освобождающим от самой профессиональной культуры, по крупицам накапливавшейся предыдущим поколением.

Андрей Логвин

Елена Китаева

И в новых обстоятельствах стать настоящим дизайнером, мастером мирового уровня можно было «не благодаря, а вопреки». Этому поколению предстояло осознать, что дизайнер - профессия легкая и интересная, но одновременно - тяжелая, соблазнительная и опасная, потому что здесь очень просто стало скатиться к продажности, к безвкусице и пошлости. Герои этого поколения стремятся сохранять в себе культуротворческий смысл профессии как служения, ориентируясь на внутренний голос профессиональной совести и строгий суд своих коллег. Эту закваску они получили еще от мастеров старшего поколения, успев застать старые романтические времена.

Эркен Кагаров

Андрей Шелютто

Как видно из интервью с и , они стремятся не только решать сиюминутные задачи, но и каждый раз ставят перед собой сверхзадачи, повышая профессиональную планку, размышляя в своих работах о культурной роли профессии, о своем месте в ней, об особенностях национального дизайна.

Молодежь – 20-30-летние – была представлена интервью с Протеем Теменом (1984) и (1974). Рядом с ними можно еще поставить Анну Наумову (1973), Дмитрия Захарова (1975), Анастасию (1980) и Александру (1982) Фалдиных. И пока это, пожалуй, все, если говорить об именах, представляющих Россию на мировой профессиональной сцене, о лауреатах международных конкурсов. У героев этого поколения мировых наград пока заметно меньше. Да и самих-то известных имен здесь значительно меньше.

И это при том что ничего похожего на ослабление спроса на дизайнеров-графиков не наблюдается. Наоборот. Количество высших учебных заведений, выдающих в нашей стране дипломы по специализации «графический дизайн», превысило уже две с половиной сотни. Сюда надо добавить еще специализации смежные или пересекающиеся с ним типа «web-дизайн», «телевизионный дизайн», «дизайн СМИ», «компьютерный дизайн», «рекламный дизайн» и т.п. И сегодня графический дизайн с командой этих родственных дизайнерских специализаций вышел в явные лидеры проектной культуры.

Произошедшая смена лидера – общемировая тенденция информационного общества. Ведущая культурная роль переходит от промышленного дизайна, оперирующего технологической палитрой массового индустриального производства, к более мобильным, свободным, легким жанрам, менее укорененным в технологических условиях творчества. Среди них на первое место выходит именно графический дизайн. Компьютерное перевооружение технологической базы дизайна усилило эти качества легкости, свободы и независимости, а привычное для графического дизайна оперирование образами и информацией как нельзя лучше соответствует запросам информационного общества.

Графический дизайн первым воспринял вызов времени, связанный с тотальной компьютеризацией всех сфер постиндустриального общества, вышел в открытый виртуальный космос «постгуттенберговской галактики». Другое его качество, всепроникающая способность, позволяет ему детально обживать виртуальные мультимедийные среды, осваивать экранную культуру и информационные инновации.

Молодое дизайнерское поколение печалится о романтических временах профессии, подозревая о том, что время героев ушло в прошлое. Но всей своей творческой деятельностью доказывает, что это не так.

Быть дизайнером – тяжелый крест. Но любое подлинное призвание есть крест. И так всегда и везде, не только в нашей стране. Но в нашей особенно.

Мы завершили серию интервью, но это не значит, что других материалов о наших дизайнерах-графиках разных поколений не будет. Этой серией мы лишь обозначили основные направления интереса к графическому дизайну – достижения наших мастеров в международном контексте, графический дизайн как стилеобразующая деятельность, формирующая визуальный ландшафт страны и мира, как самое актуальное искусство современности.

Главная задача любого графического дизайнера - это разработка стиля фирмы или компании. Данный процесс включает в себя создание логотипа и всего, что так либо иначе связано с индивидуальным стилем фирмы. Услуги графического дизайнера нужны любой компании, которая хочет выделиться среди множества безликих конкурентов, чьи логотипы были придуманы непрофессионалами.

Профессия графический дизайнер

Главный вопрос, который волнует многих из тех, кто выбирает профессию, звучит так: сколько зарабатывает графический дизайнер? Размер заработной платы зависит от множества факторов. Ключевым среди них можно назвать уровень квалификации. Если дизайнер способен создать достаточно качественный продукт, то его заработная плата будет на высоком уровне, а если же дизайнер годится лишь для создания некачественных подделок, то рассчитывать на зарплату и вовсе не приходится.

Чем занимается графический дизайнер? Обычно в его обязанности входит создание логотипа, макета, дизайна упаковки. Кроме этого, профессиональный графический дизайнер способен выполнять и макеты книг или журналов. Это и есть основные обязанности графического дизайнера.

Лучшие графические дизайнеры

Самые известные графические дизайнеры достигли таких высот из-за своего небывалого таланта и трудолюбия. Именно эти качества являются основой успеха в сфере дизайна. К числу наиболее успешных можно отнести Пола Рэнда (автор логотипов IBM, ABC), Алана Флетчера (создатель логотипа Reuters), Раймонда Лоуи (автор логотипа нефтяной компании Shell, Exxon).

Графические дизайнеры России

Графический дизайн в России зародился в 90-е годы прошлого века после Перестройки. Среди наиболее известных персон следует выделить Стаса Живицкого, Сергея Кужавского, Эркена Кагарова, Андрея Логвина.

Каждый из них обладает собственным индивидуальным стилем исполнения и способен создать что-то по-настоящему новое и привлекательное для массового потребителя.

Графический дизайнер: зарплата

Средняя заработная плата графического дизайнера в РФ составляет около 30 тысяч рублей. Очевидно, что зарплата в столице будет существенно выше, нежели в регионах, поэтому нет ничего удивительного в том, что некоторые дизайнеры стремятся уехать на заработки в Москву и в страны ЕС.

Как стать графическим дизайнером

Для того, чтобы стать графическим дизайнером, достаточно обладать чувством вкуса и навыками рисования. Можно попытаться закончить профильное учебное заведение, однако, главное в любой профессии - это личные качества и навыки, а не корочка диплома, тем более в России диплом мало что значит. Графические программы для дизайнеров во многих ВУЗах, поэтому самоучки обладают ничуть не меньшим количеством знаний, нежели профессионалы.

Начинающим графическим дизайнерам лучше нанять репетитора, который в индивидуальном порядке обучит всем тонкостям ремесла, а получить специальность "графический дизайнер художник" можно всего лишь за 2 года в профильном колледже. Подобные заведения можно найти по всей стране.

Как стать графическим дизайнером и где учиться на графического дизайнера

Это нормально смотреть на блестящие работы выдающихся графических дизайнеров, и хотеть создавать что-то похожее. Или даже хотеть быть, как эти мастера своего дела. Именно это вдохновение направило многих специалистов в область графического дизайна. Хотя, конечно, некоторых оно ведет в никуда. И все же, у других, оно раскрывает истинную страсть к дизайну и иногда это позволяет оказаться блестящему дизайнеру в центре внимания.

Увы, далеко не каждый, даже самый талантливый дизайнер способен стать выдающимся и заслужить признание. Существует ряд факторов, которые помогают достигнуть вершины. В этой статей мы рассмотрим список вещей, которые помогут вам добиться величия и определенного статуса в мире графического дизайна. К тому же они станут хорошей отправной точкой для вас.

ТЕОРИЯ

Графический дизайн во многом носит чисто субъективный характер, поэтому вряд ли вы найдете хотя бы одну дизайнерскую работу, которая бы нравилась абсолютно каждому. Люди любят разные вещи и это нормально! Существуют, однако, общепринятые теории в графическом дизайне; идеи, которые формулируют суть сильной дизайнерской работы. Они помогают в том, чтобы определить, какой графический дизайн хороший, а какой нет. Кроме того, эти теории расширяют способности дизайнера.

То, что объединяет всех знаменитых графических дизайнеров – каждый из них имел непосредственно отношение к формированию существующих теорий дизайна, и это можно отчетливо увидеть в их работах. Один из ярких примеров Йозеф Мюллер-Брокман – автор публикации «Модульные сетки в графическом дизайне». В ней заложена теория и основа использования модульной сетки, на которые многие дизайнеры будут ссылаться еще долгие годы.

ТЕХНИЧЕСКИЕ НАВЫКИ

Технические навыки помогают графическому дизайнеру притворить свои идеи в жизнь. И тут необходимы как руки, так и ум. В плане рук имеется в виду умение использовать инструменты, такие как карандаш или трекпад. Что же касается умственно навыков, то тут речь идет о математических операциях, измерениях или регулировки цвета.

Все выдающиеся графические дизайнеры обладают высокой степенью технического мастерства, по крайней мере, в одной из областей графического дизайна. И это, пожалуй, лучше всех проиллюстрировал Ян Чихольд. Он обладал некой одержимостью оформлением и внешним видом книг, что обусловлено его беспрецедентным техническим мастерством.

На изображении выше вы можете увидеть пример его точных требований к пропорциям для Penguin Branding Handbook.

ИНТУИЦИЯ

Пожалуй, это тот самый фактор, который можно назвать «особенным». Кто-то обладает интуицией, а кто-то нет. Эта особенность исходит из необузданного любопытства в дизайне, и выходит за рамки просто зарабатывания денег, а также построения карьеры. Это именно то, когда восприятие истин дизайна, в некотором роде зависит от процесса рассуждений. Решения, которые принимает дизайнер, основываются не только на теории или формальности, но и на творческом вдохновении с самовыражением.

Интуиция является качеством, которым обладают все великие дизайнеры, и ее всегда можно увидеть в работах графического дизайнера Сола Басса, которые вы можете увидеть выше. Сила дизайна в них более интуитивная и эмоциональная, нежели интеллектуальная. Однако владение только теорией и техническими навыками не сможет вывести вас на один уровень с Бассом. Необходимо научиться доверять своей интуиции, и даже быть готовым к тому, чтобы стать творчески непроизвольным.

РЕСУРСЫ

Без технического оборудования в графическом дизайне – никуда. В некоторых сферах к нему относятся различные инструменты для печати, бумага, ножницы, линейки и прочее. Что же касается цифрового мира, то тут никак не обойтись без компьютеров, специальных планшетов, программного обеспечения, библиотек с текстурами, шрифтами и шаблонами. Без всего этого, дизайнер является не больше, чем сосуд с набором мыслей, идей и чувств.

Отличный пример работы с оборудованием – проект Дэвида Карсона для издания Ray Gun, к которому он нашел свой необычный подход. Он резал, менял цвет, послойно наносил буквы и изображения, а его верстка больше напоминала живописные холсты. Именно наличие ресурсов помогло Карсону стать тем, кем он является на сегодняшний день – легендой графического дизайна.

ЛИЧНОСТЬ

В мире графического дизайна существуют всего несколько мастеров, чьи работы настолько индивидуальны, что их можно узнать из тысячи. Поскольку люди ищут индивидуальность, характер и жизненную силу, то признание к дизайнеру в основном вызвано том, что его индивидуальность находит отражение в его работах.

Личность Пола Рэнда и его проекты всегда были чем-то единым. Его цветовые палитры, игривые, но в тоже время серьезные чувствительные и несовершенные формы говорили о том, каким он был как личность. Вероятно, именно это сыграла важную роль в том, что его любили не только люди из круга дизайнеров, но и те, кто находился за его пределами.

РЕВОЛЮЦИОННОСТЬ

Когда человек спрашивает: что является нормальным; меняет то, что казалось знакомым и изобретает новые концепции – он привлекает к себе внимание общества. Согласитесь, что наблюдение за тем, как человек одновременно разрушает и создает что-то, может стать весьма завораживающим процессом.

Наверное, все существовавшие и живущие сегодня великие дизайнеры были в своем роде революционерами, которые не играли по правилам. Один из них Брэдбери Томпсон. В те времена, когда CMYK был строго частью печатной продукции, он использовал его в качестве одной из частей творческого процесса. Отказавшись от использования этих цветов для точного воспроизведения изображений или оттенков конкретного цвета, он увидел их как четыре определенных цвета на палитре. Его открытие актуально по сей день, и многие дизайнеры успешно им пользуются.

В ЗАКЛЮЧЕНИИ…

Конечно же, необходимая черта любого великого графического дизайнера – это талант. Но является ли слава столь важным компонентом величия? Вполне возможно это всего лишь собственное эго, существующее отдельно от самой сути дизайна. Может сегодня вполне достаточно быть просто талантливым графическим дизайнером?

Милтон Глейзер в 1974-м году. Фото: © Cosmos Sarchiapone

Несмотря на преклонный возраст, Милтон Глейзер (Milton Glaser) до сих пор продолжает заниматься творчеством. Именно он подарил миру журнал New York Magazine , знаменитый психоделический постер с изображением Боба Дилана , фирменный стиль Бруклинского пивоваренного завода Brooklyn Brewery и, конечно же, бессменный символ Нью-Йорка - логотип I love New York.

Сейчас Милтону Глейзеру за восемьдесят, он живет на Манхеттене и, хотя многие в этом возрасте уже уходят на пенсию, он руководит своей студией дизайна, в которой кипит работа. Как и много лет назад, он продолжает рисовать постеры, создавать логотипы и разрабатывать фирменные стили. Помимо практики, Глейзер занимается и теорией: читает лекции в университетах, пишет эссе и теоретические рассуждения о связи дизайна и искусства и их влиянии друг на друга, о профессии дизайнера и сложностях творческого процесса.

Логотип был создан в 1977-м году.

Детство и обучение

Милтон Глейзер родился 26 июня 1929 года в Нью-Йорке в еврейской семье с венгерскими корнями. Когда Милтону было пять лет, его двоюродный брат нарисовал у него на глазах лошадь - именно тогда Глейзер понял всю силу графического искусства. Он впервые увидел, как кто-то рисует нечто действительно существующее. Он подумал, что можно создать целый мир простым движением карандаша. Это восторженное чувство не покидает его всю жизнь.

В семнадцать лет Глейзер утвердился в желании стать художником. Именно тогда он понял, что подлинная цель искусства - делать нас внимательными; искусство помогает нам выжить. В интервью Smashing Magazine Глейзер рассказал, что сидел тогда за кухонным столом и вдруг решил нарисовать портрет матери. В тот момент он осознал, что не знает, как она выглядит. Только когда он решил нарисовать мать, его заинтересовала ее внешность.

Глейзер учился в Манхэттенской школе музыки и искусств (Manhattan"s High School of Music and Art), затем в 1951-м году закончил частный нью-йоркский Колледж Купер-Юнион (The Cooper Union for the Advancement of Science and Art). Огромное влияние на его образование и на дальнейшее творчество оказала возможность пожить в другой стране, а именно в Италии. После окончания колледжа Глейзер поступил в Академию изящных искусств города Болонья (Accademia di Belle Arti di Bologna) по программе Фулбрайта (Fulbright Scholarship): там он учился в классе итальянского живописца Джорджо Моранди (Giorgio Morandi).

Push Pin Studios

В 1954-м году Глейзер вместе с друзьями по колледжу Рейнольдом Раффинсом (Reyonld Ruffins), Сеймором Чвастом (Seymour Chwast) и Эдвардом Сорелом (Edward Sorel) основал студию дизайна Push Pin Studios. Идея создать свою компанию возникла у Сорела и Чваста после того, как их в один и тот же день уволили из журнала Esquire. На последние деньги они сняли темное и сырое помещение на 17-й Восточной улице Манхеттена. Через несколько месяцев Глейзер вернулся из Италии и присоединился к студии. В течении двадцати лет Глейзер и Сеймор руководили мастерской, которая оказала огромное влияние на развитие графического дизайна по всему миру.

Кульминационным моментом для Push Pin Studios стала выставка The Push Pin Style в Лувре: в 1970-1972 годах, помимо Парижа, она побывала в других городах Европы, Бразилии и Японии.

Push Pin Studios существует до сих пор, только сейчас ее единственным директором является Сеймор Чваст.

В 1967-м году Милтон Глейзер, работая в Push Pin Studios, создает психоделический портрет Боба Дилана, который позже был использован для оформления сборника лучших хитов певца.

New York Magazine

В 1968-м году Глейзер вместе с Клеем Фелкером (Clay Felker) создал журнал New York Magazine . Глейзер был президентом компании и дизайн-директором до 1977-го года. Изначально журнал создавался как некая альтернатива уже существовавшему The New Yorker . Он оказался нахальным и прямолинейным и стал частью так называемой Новой журналистики - течения в американской журналистике 1960-1970-х годов. Это издание стало иконой городского журнала и породило целую череду имитаций.

В течение шести или семи лет Глейзер вместе с Джеромом Шнайдером (Jerome Snyder) сочиняли «Подпольного гурмана» (The Underground Gourmet) - путеводитель по дешевым ресторанам Нью-Йорка. Изначально это была всего лишь колонка в New York Magazine. Всем было интересно, где можно дешево и вкусно поесть, поэтому колонка стала настолько популярной, что пришлось выпустить целую книгу.

Уолтер Бернард и Милтон Глейзер

WBMG

В 1983-м году Глейзер вместе с Уолтером Бернардом (Walter Bernard) основал WBMG. Это была небольшая дизайн-фирма, занимающаяся издательской деятельностью. За время своего существования они сделали дизайн для более чем пятидесяти журналов, газет и других периодических изданий по всему миру, а также обновили дизайн таких известных газет, как американская The Washington Post , каталонская La Vanguardia и бразильская O Globo .

Milton Glaser, Inc. Искусство - это работа

В 1974-м году Глейзер основал на Манхеттене свою собственную студию Milton Glaser, Inc. , которая функционирует и по сей день. Помимо самого Глейзера, в студии работает еще два дизайнера: Сью Уолш (Sue Walsh) и Джиин Ли (Jee-eun Lee). Деятельность фирмы затрагивает практически все области дизайна - от создания логотипов до оформления интерьеров. В сфере печатной графики студия занимается разработкой фирменного стиля, который включает в себя логотипы, бланки, брошюры, вывески и годовые отчеты. В области дизайна интерьера и среды они разрабатывают концепции и руководят созданием различных товаров, интерьеров и экстерьеров ресторанов, торговых центров, отелей и других торговых и коммерческих пространств.

© Милтон Глейзер
Логотип Бруклиского пивоваренного завода. © Милтон Глейзер
Логотип журнала New York. © Милтон Глейзер
Логотип компании Seed. © Милтон Глейзер
Логотип звукозаписывающей компании Tomato Records. © Милтон Глейзер, 1978
Логотип Angels in America. © Милтон Глейзер
Логотип DC Comics . © Милтон Глейзер, 1977
Логотип театра Школы визуальных искусств. © Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер
© Милтон Глейзер

«Создание логотипа - одно из скучнейших занятий для дизайнера. Есть масса более интересных вещей.» Милтона Глейзера называют самым плодовитым дизайнером по части логотипов. Действительно, мало кому удавалось нарисовать столько запоминающихся знаков. «Рассказывать о логотипах очень скучно, - говорит американец в интервью Smashing Magazine. - Вы же знаете, почему о них все говорят: они приносят деньги.»

Самый копируемый логотип в мире

Безусловно, самым знаменитым логотипом Глейзера считается I love New York, который он создал в середине 1970-х годов для рекламной кампании по развитию туризма в Нью-Йорке. Логотип состоит из заглавной буквы I, красного символа сердца и заглавных букв NY - аббревиатуры Нью-Йорка. Буквы набраны рубленным шрифтом с засечками American Typewriter .

Оригинал наброска логотипа

В 1977-м году Департамент штата Нью-Йорк по торговле обратился в рекламное агентство Wells Rich Greene с просьбой разработать маркетинговую кампанию для штата Нью-Йорк. Милтона Глейзера также привлекли к работе над проектом. Интересно, что Глейзер нарисовал I love NY на общественных началах (т. е. бесплатно), думая, что кампания продлится всего пару месяцев и бесследно исчезнет. Но эта эмблема стала настолько популярной, что ее начали использовать повсеместно, и многие называют I love NY самым удачным логотипом в истории графического дизайна.

Особое значение логотип приобрел после событий 11-го сентября, породив дух единения и взаимопомощи среди жителей города. Многие гости города носили футболки I love New York чтобы выразить поддержку всем пострадавшим во время теракта.

Через несколько дней после событий 11-го сентября Глейзер проснулся и понял, что его логотип уже не то, что нужно жителям города. Его чувства к городу изменились и логотип тоже должен был поменяться. Так появилась новая версия логотипа со словами I love NY More Than Ever («Я люблю Нью-Йорк больше, чем когда-либо» ) с небольшим черным пятном на красном сердце. Положение этого почерневшего участка не случайно: оно обозначает место на карте Нью-Йорка, в котором располагался Всемирный торговый центр.

Глейзер обратился за помощью в создании новой версии логотипа в Школу визуального искусства. Он позвонил своему другу Силасу Родсу (Silas Rhodes) и сказал, что у него есть идея: он хочет напечатать плакаты и расклеить их в метро. В итоге напечатали пять тысяч постеров, которые студенты расклеили по всему городу. Таким образом, практически из каждого окна в городе можно было увидеть этот постер, который еще больше сплотил жителей.

Логотип стал иконой поп-культуры и до сих пор используется повсеместно, начиная от кружек и футболок с нью-йоркской символикой и заканчивая огромными баннерами. Нью-Йорк пытается сохранить авторские права на логотип, но по данным 2005-го года было зарегистрировано около трех тысяч фактов имитации.

Глейзер так рассказывает о том, как он создавал набросок логотипа на заднем сиденье нью-йоркского такси: «Я был взбудоражен. В моей идее присутствовало чувство неизбежности. Форма и содержание были объединены настолько, что невозможно было отделить одно от другого.» Глейзер до сих пор не понимает, почему этот логотип стал настолько популярным не только в Нью-Йорке, но и во всем мире.

Дизайн как искусство

Работы Милтона Глейзера участвовали во множестве выставок по всему миру, включая персональные выставки в Музее современного искусства в Нью-Йорке (Museum of Modern Art) в 1975-м году и в Центре Помпиду в Париже (Centre Georges Pompidou) в 1977-м году. Милтон Глейзер много раз выставлялся в Италии. В 1991-м году итальянское правительство пригласило его курировать выставку в честь пятисотлетия итальянского художника Пьеро делла Франческа (Piero della Francesca). Выставка открылась в Ареццо и через год благодаря спонсорской поддержке Campari переехала в Милан. В 1994-м году у Глейзера состоялась выставка в его родном Колледже Купер-Юнион . В 1997-м году в Японии была представлена ретроспектива работ Push Pin Studios, которая включает в себя персональные работы Милтона Глейзера и других художников студии. Однако главная ретроспектива его работ была открыта в феврале 2000-го года в Венеции, в Фонде Бевилаква-Ла-Маса (Fondazione Bevilacqua La Masa).

Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера.
Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера. Графические работы Милтона Глейзера.

Вклад в культуру

На протяжении карьеры Милтон Глейзер был удостоен многих наград, в том числе в 2004-м году он получил награду за значительный вклад в развитие современного дизайна от Национального музея дизайна (Smithsonian Cooper-Hewitt, National Design Museum).

Вклад Глейзера в развитие графического дизайна огромен: для многих он является живым воплощением американского графического дизайна, редкий пример, сочетающий в себе глубокое интеллектуальное мышление с невероятным богатством визуального языка.

10 правил Милтона Глейзера

Работайте только с теми, кто вам нравится

У меня ушло много времени на то, чтобы сформулировать для себя это правило. Когда я начинал, думал наоборот, что профессионализм ― это умение работать с любыми клиентами. Но с годами стало понятно, что самый осмысленный и хороший дизайн был придуман для тех заказчиков, которые в последствии стали моими друзьями. Похоже, что симпатия в нашей работе гораздо важнее профессионализма.

Если у вас есть выбор, не устраивайтесь на работу

Однажды я услышал по радио интервью с замечательным композитором и философом Джоном Кейджем (John Milton Cage Jr.). Ему было тогда семьдесят пять лет. Ведущий спросил: «Как подготовиться к старости?» Я навсегда запомнил ответ Кейджа: «У меня есть один совет. Никогда не ходите на работу. Если в течение всей жизни вы каждый день ходите в офис, однажды вас выставят за дверь и отправят на пенсию. И тогда вы уж точно не будете готовы к старости ― она застанет вас врасплох. Посмотрите на меня. С двенадцати лет я каждый день делаю одно и то же: просыпаюсь и думаю, как заработать себе на кусок хлеба. Жизнь не изменилась после того, как я стал стариком».

Избегайте неприятных людей

Это продолжение первого правила. В 1960-х работал гештальт-терапевт по имени Фритц Перлс. Он предположил, что во всех отношениях люди либо отравляют жизнь друг друга, либо подпитывают ее. При этом все зависит не от человека, а от отношений. Знаете, есть простой способ проверить, как на вас влияет общением с кем-нибудь. Проведите с этим человеком некоторое время: поужинайте, прогуляйтесь или выпейте, пропустите по стаканчику. И обратите внимание на то, как вы будете чувствовать себя после этой встречи ― воодушевленным или уставшим. И все станет понятно.

Опыта недостаточно или почему хорошее враг выдающегося

Я уже говорил, что в молодости был одержим профессионализмом. На самом же деле опыт ― это еще одно ограничение. Если вам нужен хирург, вы, скорее всего, обратитесь к тому, кто делал именно эту операцию много раз. Вам не нужен человек, который намерен изобрести новый способ пользоваться скальпелем. Нет-нет, никаких экспериментов, пожалуйста, делайте все так, как вы делали это всегда и как делали до вас. В нашей работе все наоборот: хорош тот, кто не повторяет за собой и за другими. Хороший дизайнер хочет каждый раз пользоваться скальпелем по-новому или вообще решает вместо скальпеля использовать садовую лейку.

Меньше не всегда лучше

Все мы слышали выражение «лучше меньше да лучше». Это не совсем так. Одним прекрасным утром я проснулся и понял, что это, скорее всего, полная чушь. Оно, может быть, звучит неплохо, но в нашей области этот парадокс не имеет смысла. Вспомните персидские ковры, разве в их случае «меньше» было бы лучше? То же самое можно сказать о работах Гауди, стиле ар-нуво и о многом другом. Поэтому я сформулировал для себя новое правило: лучше, когда всего ровно столько, сколько нужно.

Не доверяйте стилям

Уверен, вы все видели иллюстрации Пикассо для «Неведомого шедевра» Бальзака. Он изобразил быка в двенадцати разных стилях: от натуралистичной манеры до абстракции в одну линию. В данном случае стиль ― понятие неактуальное. Глупо отдавать себя какому-то одному стилю, потому что ни один из них не заслуживает вас целиком. Для дизайнеров старой закалки это всегда было непросто, потому что с годами вырабатывается почерк и визуальный словарь. Но мода на стили опосредована экономическими показателями, то есть практически математикой ― с ней не поспоришь. Об этом писал еще Маркс. Поэтому каждые десять лет меняется стилистическая парадигма, и вещи начинают выглядеть иначе. То же самое происходит со шрифтами и графикой. Если вы планируете просуществовать в профессии больше одного десятилетия, очень рекомендую быть готовым к этой смене.

Образ жизни меняет образ мышления

Мозг ― самый чуткий орган нашего тела. Он наиболее подвержен изменениям и регенерации. Несколько лет назад в газетах мелькала любопытная история про поиски абсолютного слуха. Как известно, такой слух встречается редко даже среди музыкантов. Не знаю как, но ученые выяснили, что у людей с абсолютным слухом другое строение мозга: каким-то образом деформированы некоторые доли. Это само по себе интересно. Но потом они выяснили кое-что еще более поразительное: если детей четырех-пяти лет учить играть на скрипке, есть вероятность, что у кого-нибудь из них начнет меняться строение коры головного мозга и разовьется абсолютный слух. Я уверен, что рисование влияет на мозг не меньше, чем занятия музыкой. Но вместо слуха мы развиваем внимание. Человек, который рисует, обращает внимание на то, что происходит вокруг него ― а это не так просто, как кажется.

Сомнения лучше, чем уверенность

Все говорят, что уверенность в том, что ты делаешь, очень важна. Мой преподаватель по йоге как-то сказал: «Если вам кажется, что вы достигли просветления, вы всего лишь уперлись в собственные рамки». Это верно не только в духовной практике, но и в работе. Для меня все сформировавшиеся идеологические позиции ― сомнительны, потому что совершенство ― это бесконечное развитие. Я нервничаю, когда кто-то верит во что-то безапелляционно. Нужно подвергать сомнению все. У дизайнеров эта проблема появляется еще в художественной школе, где нас учат теории авангарда и тому, что личность может изменить мир. В каком-то смысле это правда, но чаще всего заканчивается сложностями с творческой самооценкой. Коммерческое сотрудничество с кем-то ― это всегда компромисс, и этому ни в коем случае нельзя сопротивляться. Всегда нужно допускать возможность, что ваш оппонент может быть прав. Пару лет назад я прочел у Айрис Мердок лучшее определение любви: «любовь ― это крайне сложное осознание того, что кто-то, кроме нас, реален». Это - гениально и описывает абсолютно любое сосуществования двух людей.

Это неважно

На прошлый день рождения мне подарили книгу Роджера Росенблатта «Старейте красиво» (Roger Rosenblatt, Rules for Aging). Название мне не понравилось, но содержание заинтересовало. Самое первое правило, предложенное автором, оказалось лучшим. Оно звучит так: «это неважно». Не важно, что вы думаете ― следуйте этому правилу и оно прибавит к вашей жизни десятилетия. Не важно, опаздываете вы или приходите вовремя, тут вы или там, промолчали вы или что-то сказали, умны вы или глупы. Не важно, какая у вас прическа и как на вас смотрят знакомые. Повысят ли вас на работе, купите ли вы новый дом, получите ли Нобелевскую премию ― все это неважно. Вот это мудрость!

Говорите правду

Иногда мне кажется, что дизайн не лучшее место для поисков правды. Безусловно, в нашем сообществе существует определенная этика, которая, кажется, где-то даже записана. Но в ней нет ни слова об отношениях дизайнера с обществом. Говорят, в СССР при Сталине все, что продавалось с этикеткой «телятина», на самом деле было курицей. С тех пор меня мучает вопрос, что же тогда продавалось под видом курицы? Дизайнеры несут не меньшую ответственность, чем мясники, поэтому они должны внимательно относится к тому, что продают людям под видом телятины. У врачей есть клятва: «Не навреди». Я считаю, что у дизайнеров тоже должна быть клятва: «Говори правду».