Брат июль спектакль вселенная выражение. Театр на Малой Бронной. Спектакль «Белка». Лев Додин восстановил свой легендарный спектакль «Братья и сестры»

Спектакль «Братья и сестры» Санкт-Петербургского Малого драматического театра Льва Додина прошел на минувшей неделе в Старом Осколе в рамках проекта «Лучшие спектакли в городах России» Алишера Усманова.

В 2000 году спектакль «Братья и сестры» вошел в пятерку лучших спектаклей двадцатого века. Он был показан в 52 городах мира, в том числе в Нью-Йорке и Париже. В спектакле занято сорок человек, все ведущие артисты, в том числе народные и заслуженные.

Накануне спектакля актеры встретились с журналистами и ответили на несколько вопросов.

В чем уникальность спектакля «Братья и сестры» и насколько он сложен для постановки в таких небольших городах, как Старый Оскол?

Дина Додина: - «Братья и сестры» - это сердце, вокруг которого и образовался Малый драматический театр. Судьба подарила актерам и Льву Додину встречу с писателем Федром Абрамовым, они ездили к нему в Архангельскую область, в ту самую деревню, про которую написан роман «Братья и сестры». Спектакль большой, сложный, посвященный военным и послевоенным годам. Это спектакль-Вселенная. Он и о нас с вами, о наших отцах и дедах, спектакль, который смотрят от Санкт-Петербурга до Японии.

- «Братьям и сестрам» - 25 лет. В чем секрет творческого долголетия спектакля?

Наталья Фоменко: - Мы начинали играть, когда нам было чуть за двадцать, а теперь мы уже в два раза переросли своих персонажей. Магия этого спектакля в том, что он несет в себе заряд жизненной энергии и самих артистов, и постановщика Льва Додина, и автора романа Федора Абрамова. Вот это соединение и дает энергетику жизни этого спектакля. Мы играм разные спектакли в разных городах и перед разными зрителями, но ощущение единения артистов и зала именно в этом спектакле просто уникально.

Премьера спектакля состоялась в 1985 году. И до сих пор в этом спектакле в основном составе заняты те же самые актеры. Как получается играть одного и того же героя 25 лет?

Петр Семак: - Мы играли уже лет пятнадцать, когда я заявил, что больше не буду произносить фразу «Через три недели мне будет восемнадцать». Потом мне Лев Абрамович все время говорил: «Видишь, теперь непонятно, сколько тебе лет». Проблемы возникали с пониманием того, что мой герой - подросток. Сейчас я просто нагло говорю эту фразу, и зрители верят. В этом и есть магия театра. Выходишь на сцену - и забывается возраст, усталость, полностью погружаешься в ту жизнь. Действительно, это уникальный спектакль, который втягивает сначала нас - актеров, а потом и зрителей.

- Нравятся ли вам гастроли? Что они дают актерам?

Татьяна Рассказова: - Воздух. Чтобы вынести что-то на сцену, мы должны это где-то взять. Вот мы и берем у вас - зрителей. Разные города, разная речь, разное отношение к жизни. Нам очень нравятся гастроли.

Петр Семак: - Лет пятнадцать назад мы играли этот спектакль в Лионе. И вот, в конце первого акта я иду в проход зрительного зала. И французы вскакивали, обнимали и говорили: «Русский, не плачь». И я ревел еще больше.

Фотографировать сам спектакль нельзя, поэтому я немного поснимал на репетиции. Кстати, шестичасовой спектакль состоит из двух частей и идет два вечера подряд.

Петр Семак на протяжении 25 лет играет восемнадцатилетнего Михаила Пряслина

Петр Семак приехал в Старый Оскол с высокой температурой, поэтому часть репетиции в роли Пряслина был актер Владимир Захарьев.

Управление по корпоративным коммуникациям ОАО «ОЭМК» (входит в холдинг "Металлоинвест" Алишера Усманова) всего за одну ночь подготовило и подарило труппе Санкт-Петербургского Академического Малого Драматического Театра - Театра Европы альбом с фотографиями гастролей в Старом Осколе, куда вошли и эти снимки.

Текст: Александра Горелая

Брусникинцы - настоящий феномен русского театрального мира. Собственно, этим именем может называться любой, кто окончил Школу-студию МХАТ у Дмитрия Брусникина: это и Александра Урсуляк, и Дарья Мороз, и Сергей Лазарев. Однако сегодня брусникинцы - еще и модный театральный тренд, «труппа, которая может все». Они выпустили больше 10 постановок, устраивали перформансы и сочиняли уличные спектакли. WATCH встретился с их «отцом» - Дмитрием Брусникиным, режиссером, актером и сценаристом с необычайно теплым голосом, который называет своих учеников не иначе как коллегами и планирует новую революцию - театр без художественного руководителя.

В одном из интервью вы как-то рассказали, что на прослушивание вас затащил Дмитрий Кравцов, потом на спор вы ходили по театральным училищам и неожиданно поступили, учась одновременно в физико-техническом институте. То есть театр не был осознанным выбором, а стечением обстоятельств?

Скорее всего, да. В моей семье не имелось традиции, среды. Папа был военным, и мы очень много путешествовали. Так, я родился в Потсдаме, а школу окончил в Клину. Тогда была мода на физиков, и я поступил в Институт электронной техники. Начал ходил в театры с друзьями старшего брата, знал весь репертуар Таганки и случайно заразился театральной бациллой. Тем не менее в голове не возникало желания резко изменить жизнь. Попасть в театр и стать артистом казалось чем-то недостижимым! Поэтому это был скорее игровой момент - «пойдем рискнем, споем что-нибудь, сыграем».

В июне этого года театр «Практика» отказался от единого художественного руководства и объявил о создании резиденции. И на текущий год резидентами выбрана ваша Мастерская. Что это за формат? И каковы ваши ожидания от него?

У меня только хорошие ожидания. Мы давно сотрудничаем с Иваном Вырыпаевым и Юрием Милютиным, нынешним директором «Практики». Дирекция и администрация театра не вмешиваются в творческую жизнь Мастерской и занимаются решением только продюсерских, организационных вопросов. Мы придумываем проекты и осуществляем их. Если театр видит экономическую возможность и финансовую целесообразность, то сотрудничает с нами, если нет - мы остаемся в пределах Мастерской и ищем другие площадки и форматы. Помимо нас есть еще и, например, Мастерская Олега Львовича Кудряшова. Это будет прекрасно, если «Практика» станет сценой для таких образований. Творческих и талантливых людей много, а вот мест для реализации их творческих экспериментов крайне мало. На огромную Москву всего два театральных центра: Центр им. Мейерхольда и Театральный центр «На Страстном». Московские театры при всем уважении и желании помочь Мастерской как молодому организму сделать этого не могут - им экономически невыгодно пускать на свои сцены, а мы не можем позволить себе платить аренду. Поэтому очень нужны такие институции и форматы, это революционный прорыв. Потому что практика художественного руководителя, который берет все под контроль и никого никуда не пускает, уходит в прошлое. Такие театры на самом деле мертвы.

Театр не стоит на месте, все время появляется что-то экспериментальное. Каков он, современный театр? Какие возможности вы в нем видите как режиссер?

Театр разный. И возможности у него безграничные. Невозможно одним словом передать его суть. Это серьезный и долгий разговор с подробными примерами, анализом режиссеров и театральных направлений, с описанием новой роли художника. Если раньше был просто художник-оформитель, то сейчас художник - творческая единица, которая зачастую опережает значимость режиссера. Он философ театра. Именно художники позволяют себе новые форматы и новые идеи. Посмотрите, как интересно театр развивается с точки зрения поиска пространства. Последний журнал «Театр», например, полностью посвящен этой теме. Режиссеры уходят с традиционных сцен, перемещаются на заводы и стоянки. И это не для того, чтобы шокировать публику, так ведется поиск языка и контакта в современном мире.

Каковы ваши творческие планы на новый театральный сезон? Я слышала, что планируются спектакли по Виктору Пелевину и Ивану Вырыпаеву.

Меньше чем через месяц у нас начнутся прогоны премьеры в «Практике» - это постановка Максима Диденко «Чапаев и пустота» по Виктору Пелевину. Максим ставит спектакль с Мастерской, может, даже я буду там играть. Кроме того, Фонд современного искусства устраивает конкурс «Пьеса года», через месяц будем читать три победивших пьесы в Боярских палатах, и я не исключаю, что одна из них в дальнейшем войдет в репертуар «Практики». Также мы продолжаем эксперименты в области современной драматургии, контактируем со всеми фестивалями.

Все чего-то боятся: высоты, смерти, не успеть воплотить свои мечты. Чего боитесь вы?

Вы знаете, это вопрос не для интервью - тема страха глубока и серьезна. Что такое страх? Каким образом он поселяется в обществе, в стране, в душе личности? Мне кажется, что в современном мире вообще и в нашей стране в частности много страха, и его становится больше с каждым днем. Вокруг полно агрессии, а ответ на агрессивное поведение - как раз страх. Вы спрашиваете, чего я боюсь? Боюсь войны, и могу сказать словами персонажа Володина: «Лишь бы не было войны». Сегодня вдруг эти слова становятся живыми, серьезными и важными. В послевоенный период, в 1950-х, эта фраза звучала актуально, и люди, произнося ее, понимали, насколько она важна, каким содержанием наполнена. Потом наступила другая эпоха: сейчас у людей есть понимание, что война - это плохо, но где-то в памяти, вроде как не касается их напрямую. Но сейчас страх, боязнь войны снова становятся нашей реальностью, они распространяются.

Вы снимали и полнометражное кино, и сериалы. Насколько это разные по восприятию и работе форматы? Некоторые режиссеры говорят, что снимать сериал - ад…

Да, конечно, это ад, но я отношусь к нему спокойно. Хотя в последнее время практически не снимаю. Раньше занимался этим, потому что, во-первых, было интересно, а во-вторых, любил и люблю работать с актерами. Я не отношусь к сериалу как к второсортному виду искусства, но и не говорю, что это шедевр. Просто некий тренинг, который не стесняюсь показывать публике. Тренинг работы с актером штучного, личностного характера. Конечно, сериал - не авторское кино, но это художественное ремесло. И да, снимать его - настоящий ад, но все зависит от отношения, от того, как воспринимать процесс. Можно просто плюнуть и уйти, а можно и справится с этим адом.

Какие задачи вы как педагог ставите перед «брусникинцами»? Или позволяете актерам самим определять для себя задачи?

Тут важно понимать, что я не один. Я ученик Олега Николаевича Ефремова, Аллы Борисовны Покровской и Андрея Васильевича Мягкова. Как только мы закончили учиться, мои педагоги позвали меня и Рому Козака преподавать. Мы стали ассистентами почти сразу, а Марина Брусникина даже еще раньше - уже во время обучения. Ефремов учил нас брать на себя ответственность, работать с текстом, заниматься разбором, любить театр. И мы - его продолжатели, Мастерская идет оттуда. Многие наши ученики, которых мы выпустили с Аллой Борисовной Покровской и Ромой Козаком, сейчас являются основными актерами Театра им. Пушкина. А другие наши ученики, та же нынешняя Мастерская, благодаря которой и появился термин «брусникинцы», - уже не просто мастера, а мастера-педагоги: Юра Квятковский, Леша Розин, Сережа Щерин. Так, Юра как режиссер уже является составляющей концептуального современного театра. И он не только мой ученик, он - мой коллега, полностью сформировавшийся автор. К чему я говорю про такую преемственность? Потому что важно создавать среду и возможности для появления автора. У нас много разных экспериментов, и мы часто бросаемся в совершенно неизведанные театральные пути.

Сейчас полным ходом идет фестиваль Territoria . Насколько важна культура фестивалей для современного театра?

Это прекрасная история, и ее нужно поддерживать, потому что в первую очередь крайне важно иметь возможность смотреть и вступать в коммуникацию. Такое нужно не только зрителю, но и самому театральному сообществу. К сожалению, из-за своего спектакля «До и после» я ничего не видел в этот раз на Territoria и очень по этому поводу печалюсь. Но радует то количество положительных отзывов, которое наш спектакль собрал.

Когда вы выходите на площадку как актер, вы полностью становитесь тем, кого играете, или остаетесь самим собой? Как происходит процесс перевоплощения?

У вас такие вопросы интересные, на которые я не могу ответить в двух словах. Это серьезная и глубокая тема. Ну как вам сказать? Я актер художественного театра и приверженец системы Станиславского. Многих такие слова пугают, и они, к сожалению, давно стали разменной монетой. Тем не менее это замечательный термин, его нужно просто понять людям, которые занимаются актерством, напомнить, что система не закончена, развивается и все время меняется, точно так же, как меняется сам человек.

Если бы сейчас у вас появилась возможность встретиться с собой прошлым, с тем, который только начинал свой путь в театре и кино, какой бы вы дали себе совет?

Вы знаете, мы много об этом говорим сейчас как раз в контексте спектакля, который выпустили совместно с благотворительным фондом «Артист» - «До и после». Там второкурсники, те, кто только-только пришел в профессию, знакомились и брали интервью у людей, проживших в ней жизнь и уже уходящих. Это подопечные фонда - пожилые актеры, художники, режиссеры, костюмеры. И между ними происходит диалог. Поэтому ваш вопрос в этом плане очень интересен. Я много вспоминаю себя в том возрасте, хотя и с трудом. И в спектакле много такого, что как раз отвечает на ваш вопрос, поэтому просто приходите к нам и смотрите - узнаете много интересного.

Вот уж по-другому не скажешь…
У меня есть такая дурная привычка, когда смотрю какой-нибудь «не однозначный и противоречивый» фильм (реже спектакль), то досматриваю его до конца, чего бы мне это не стоило. Делаю я это потому, что до последнего надеюсь на сюрприз от создателей этого «не однозначного и противоречивого» фильма (реже спектакля). Уж и титры финальные близки, а я все верю, что вот-вот и режиссер с актерами выдадут какую-то такую не вероятную сцену, что вся эта «не однозначность и противоречивость» улетучится, и я останусь доволен.
Наивность моя редко вознаграждалась…
Да практически никогда…

Пьеса (не путать со спектаклем) с самого начала имела в себе все признаки «не однозначной и противоречивой». Не без «цепляющих» поворотов сюжета и персонажей (надо отдать должное), и, тем не менее. Суть ее сводилась к тому, что на протяжении всей пьесы планомерно убивали людей, а вся вина за это была свалена на животных…

Что помогало не отчаяться на пути преодоления этой Истории, так это, безусловно, АКТЕРСКИЙ АНСАМБЛЬ… Вот уж кому я доверился с первой до последней минуты спектакля. Что бы кого-то выделить? Конечно, мастера («Лилиана Борисовна» - Вера Бабичева и «Февралев» - Владимир Яворский ) немного выделялись из молодежи. Но, выделялись так гармонично, что скорее подтягивали этим всех остальных до своего безупречного уровня…

И не смотря на то, что пьеса продолжала оставаться «не однозначной и противоречивой», Ритуал (сценические движения), перетянув на себя одеяло зрительского внимания, выправлял ситуацию. Помогали и хореография, и музыка, и песни, и атрибуты, и движения актеров, их взаимодействия…

Вот только по большому счету «История» не переставала быть «не однозначной и противоречивой». И я уже мысленно писал строки своей рецензии, которая должна была оканчиваться словами: «к сожалению одним, даже пусть самым безупречным, Ритуалом не возможно спасти всю Историю, если Миф в ней оставляет желать лучшего…»

Но тут произошло то, что… иногда, но, случается… к примеру на футболе, когда команда, за которую болеешь, показывая на протяжении всего матча игру, по потенциалу своему сильно ниже игры соперника, на последней минуте забивает гол. И этот гол позволяет ей либо выиграть вообще, либо пройти в следующий этап соревнований…

Этой команде прощаешь все…

Что-то похожее произошло и в «Белке»… На сцене, которая всей своей атмосферой предвещала близкий финал, собрались шесть трупов (ну то есть людей, которые по ходу пьесы благополучно умерли). Причем собрались они не так как в Гамлете, когда беспорядочно разбросанное тело каждого воспевало трагичность, а как-то по житейски собрались… Компанейски собрались… И это были скорее не трупы, а духи…

И вот в такой мизансцене «Лилиана Борисовна» произносит фразу, которая по своему внутреннему состоянию вполне могла соперничать с припевом Карлсона (из пьесы Астрид Лингрен): «Пустяки! Дело то житейское!..»

Она говорит: «…а что собственно… Мы просто делали «то-то» и «то-то», что привело к «тому-то» и «тому-то»… Белка (так звали главного героя, он тоже умер последним), хочешь рыжик?...»

В один миг весь груз «не однозначности и противоречивости» превратился в радостный ГИМН ЖИЗНЕЛЮБИЮ…
Остававшийся морок «не очень приятного сна» был развеян разухабистым исполнением детским хором «Waltzing Matilda», которую я привык слышать в исполнении хрипатого брутального Тома Уэйтса, где он скорее делился «тщетой всего сущего…»

Но «то - бензин, а, то - дети…»

Контраст и разрыв шаблонов… и Смерть была… нет, не побеждена…
С ней заключили «партнерский альянс». Ей указали ее границы прав и обязанностей, после чего ее уже никто не боялся…

Это было круто!

Я искренне отбивал ладоши при выходе артистов на поклон. Они заслужили мою жертву СОПЕРЕЖИВАНИЯ… Молодцы!!!

Домой я возвращался чуть ли не подпрыгивая. В голове крутилось как заведенное…
«Waltzing Matilda, Waltzing Matilda, You`ll come Waltzing Matilda with me…»

P.S. Рассказчик обязан побеждать смерть (даже когда все умерли)… и давать слушателю Воскресенье…

Идея Льва Додина возродить спектакль художественно точна и благородна. Мы пережили десятилетия цинизма, откровенной лжи, и с этим не покончено. Новому поколению с переписыванием истории, забвением ее лучших страниц жить непросто. Возвращение спектакля – это возвращение к высоким традициям русского театра с его гражданским накалом, сегодня изгнанным из театра. И эта задача легла на актеров нового поколения.

Независимая газета

Лев Додин восстановил свой легендарный спектакль «Братья и сестры»

Галина Коваленко

По сложности мизансценирования, по работе света, звука, сценографии мало что может быть поставлено рядом с этой постановкой даже у самого Додина. Как тут работает грандиозная сценография Эдуарда Кочергина, его деревянный занавес-помост, скворечники на длинных шестах, деревянные жерди-прясла, огораживающие сцену, – живут своей отдельной и осмысленной жизнью. Как выстроены переходы ритма. Какое богатство мизансцен, где быт и бытие переливаются друг в друга, жизнь пекашинская – в судьбу народную.

Новые известия

«Братья и сестры, которых мы так любили»

Ольга Егошина

Нынешняя молодежь МДТ тоже совершила этот ритуал - тоже косили, сеяли, ездили на лесозаготовки, знакомились с прототипами абрамовских героев или их родственниками. Словом, испытали на себе все то, без чего в этом материале на сцену выходить нет смысла. Но и кураж есть, и творческий зуд - иначе не взять эту невозможную высоту. И есть глубокая личностная потребность осмыслить нашу общую историю и сделать необходимые выводы. И помочь сделать их тем, кто только вступает в жизнь в сегодняшней России.